Cineprime, ecco i film in sala questa settimana: le nostre recensioni

Paolo Genovese torna dietro la macchina da presa con “Il rumore delle cose nuove”. Un film che intreccia, con forzature al limite della credibilità, le vite dei suoi personaggi e i piani temporali: il risultato è un lavoro confuso, tetro, molto scritto e sovrastato da una colonna sonora sempre in cerca dell’effetto drammatico per sottolineare la precarietà dei rapporti di coppia.

Una bella sorpresa “La Gradiva” dell’esordiente Marine Atlan su una scolaresca francese in gita a Pompei. Il viaggio come momento unico, in cui la forza della giovinezza incontra un mondo congelato nel tempo. I desideri dei ragazzi cominciano ad affiorare con intensità inaspettata, conducendoli verso una frattura irreversibile.

Dall’omonimo manga di Tatsuki Fujimoto, arriva in sala il poetico “Look Back” del regista giapponese Hirokazu Koreeda da sempre attratto dai temi dell’infanzia, dell’adolescenza e della famiglia, ma anche da quelli della memoria e del rimorso. Qui ci sono tutti, in un’opera sull’amicizia e l’elaborazione del lutto. Un film che piacerà molto agli adolescenti, non solo a quelli appassionati di manga

L’ESSERE AMATO

Regia: Rodrigo Sorogoyen

Cast: Javier Bardem, Victoria Luengo, Melina Matthews, Marina Foïs

Durata: 135’

Voto: 8

C'è sempre qualcosa di profondamente fisico nel cinema di Rodrigo Sorogoyen. Anche quando la violenza non si manifesta attraverso lo scontro dei corpi, ma resta impigliata negli sguardi e nei silenzi. In quello che non si riesce a dire. Accade in “L’essere amato”, il nuovo, folgorante, film del regista spagnolo, che dopo la tensione insostenibile di “As bestas” e la struggente anatomia sentimentale della serie “Dieci capodanni”, torna a esplorare le relazioni umane come territori accidentati, attraversati da conflitti che bruciano sotto la pelle e che, prima o poi, reclamano di essere affrontati.

Al centro del racconto c'è Esteban (un monumentale Javier Bardem), regista celebre quanto ingombrante e dal passato turbolento, che offre alla figlia Emilia (Victoria Luengo), attrice “in pausa” e con la quale ha interrotto da anni ogni rapporto, un ruolo nel suo nuovo film. La premessa richiama da vicino quella di “Sentimental Value” di Joachim Trier, sebbene l’analogia si arresti qui. Se, infatti, l’autore norvegese si affidava alla memora e agli spazi domestici per ricomporre (o almeno comprendere) le fratture familiari, Sorogoyen sceglie una strada più aspra e conflittuale, in cui ogni tentativo di riconciliazione sembra destinato a riaprire le ferite anziché rimarginarle. Il set di Esteban, ambientato tra i paesaggi vulcanici, le distese aride e il vento di Fuerteventura (il film nel film esplora la questione politica ancora aperta legata alla decolonizzazione e al ruolo del Marocco, “ricostruito”, appunto, sull’isola delle Canarie) diventa il teatro di una resa dei conti nervosa, inquieta, mai consolatoria. Si respira quasi un senso antonioniano dello spazio, una geografia dell’incomunicabilità che in Sorogoyen si fa punto di rottura. Già la sequenza (tesissima) di apertura del film, quando padre e figlia si incontrano al ristorante, anticipa lo scontro drammatico tra due anime che, spinte, appunto, dal desiderio di essere amate, si sono smarrite.

L’affetto si confonde con il controllo o con la gelosia, il desiderio di riconciliazione con l’ostinazione a non voler riconoscere le proprie responsabilità, in un rapporto che sembra conoscere solo il senso gerarchico (professionale e biologico). E proprio il set cinematografico diventa il centro di gravità di questa relazione tellurica che esplode nella magnifica sequenza in cui gli attori del film si ritrovano seduti a tavola per girare una scena corale. È il momento in cui il confine tra finzione e verità si fa labilissimo, travolgendo tutti. Sorogoyen lavora, ancora una volta, sulla pressione emotiva che se in “As Bestas” si manifestava in modo molto materico, qui diventa dolore sordo ma, egualmente, devastante. Il suo resta un cinema dell’attrito, in cui l’autore spagnolo è capace di muoversi dilatando il tempo (come nella serie “Dieci Capodanni”) o concentrandolo (e “recintandolo”), come in “L’essere amato” in cui il dispositivo metacinematografico non è un semplice vezzo autoreferenziale, ma diventa parte integrante del racconto, lo strumento attraverso cui Sorogoyen amplifica la tensione emotiva e il dolore dei personaggi. Come se la finzione del set, anziché offrire un riparo dalla realtà, finisca per esporne ancora di più le fragilità, costringendo padre e figlia a fare i conti, anche davanti alla macchina da presa, con ciò che nella vita non sono mai riusciti davvero ad affrontare.

(Marco Contino)

IL RUMORE DELLE COSE NUOVE

Regia: Paolo Genovese Cast: Emanuela Fanelli, Claudia Pandolfi, Vittoria Puccini, Claudio Santamaria, Stefano Accorsi, Lino Musella, Edoardo Pesce

Durata: 113’

Voto: 4

Ralph (Lino Musella) e Viola (Claudia Pandolfi, con una parrucca improbabile: perché?) conducono una vita apparentemente serena, tra la ricerca del “rumore perfetto” (lui lavora come tecnico del sonoro per il cinema) e sogni messi in pausa. Hanno un figlio, Mirko, che viene bullizzato a scuola. Andrea (Stefano Accorsi) vorrebbe essere padre ma sua moglie (Vittoria Puccini), pur facendogli credere di condividere lo stesso desiderio, fa di tutto per non diventare madre. Alba (Emanuela Fanelli) è prigioniera di un matrimonio con un marito violento (Edoardo Pesce) ma si aggrappa alla vita come può e, per arrotondare il magro stipendio, ogni tanto lavora come domestica da un uomo (Claudio Santamaria) che si è isolato dal mondo, dopo un incidente che lo ha costretto a vivere su una sedia a rotelle.

“Il rumore delle cose nuove” è il nuovo film di Paolo Genovese che adatta per il grande schermo (insieme a Igor Artibani) il suo omonimo romanzo. Un racconto corale sulla maternità e la paternità (vissuti, per lo più, come un obbligo o un obiettivo), sui segreti, le menzogne e le gabbie dell’anima. “Il rumore delle cose nuove” intreccia, con forzature al limite della credibilità, le vite dei suoi personaggi e i piani temporali: il risultato è un lavoro confuso, tetro, molto scritto (gli aforismi e i monologhi di Santamaria sono irritanti) e sovrastato da una colonna sonora sempre in cerca dell’effetto drammatico per sottolineare la precarietà dei rapporti di coppia: basta pochissimo per farli collassare o, al contrario, per ritrovare il coraggio di vivere davvero. Genovese spreca un cast di prim’ordine caricando il film di troppi temi (tra violenza domestica e bullismo), abbandonati, ripresi e poi, ancora, obliati con un epilogo in dissolvenza ancor più deludente (considerate le quasi due ore di film).

La coralità sbiadisce, così, in una narrazione eccessivamente frastagliata che scava una distanza siderale tra i protagonisti e il pubblico, rendendo praticamente impossibile qualsiasi sentimento empatico, fatta eccezione per il personaggio di Lino Musella (attore sempre prezioso), l’unico capace di restituire una sincera autenticità.

(Marco Contino)

LA GRADIVA

Regia: Marine Atlan

Cast: Colas Quignard, Suzanne Gerin, Mitia Capellier, Antonia Buresi, Rouge Isaacs

Durata: 145’

Voto: 7

Di film su gite scolastiche, ultimi anni di scuola o notti prima degli esami, di qua e di là dell’Oceano o delle Alpi, è pieno il catalogo del cinema adolescenziale. Ma i temi, trasversali e ben intrecciati, del film La Gradiva dell’esordiente regista francese Marine Atlan, sono originali, pur se ne riprendono altri che anche il recente Un anno di scuola di Laura Samani tratta forse con maggior leggerezza, ma analoga intensa drammaticità. A cominciare dal titolo, ovvero la donna che cammina, che avanza, eponimo al maschile del dio Marte, dal passo marziale. Ma la Gradiva del titolo è una celebre figura femminile, ricorrente nell’iconografia classica, dagli affreschi di Pompei ai bassorilievi dei Musei vaticani, una giovane donna che incede, sicura o meno non lo sappiamo, verso il futuro. Come una delle protagoniste – o forse tutti – del film, colti in una fase critica, al momento del passaggio della linea d’ombra tra infanzia ed età adulta, piena di scompensi e disagi.

Una classe di liceali francesi si reca in Italia per visitare Napoli e Pompei: i ragazzi sono guidati dalla loro professoressa, Madame Mercier, alla scoperta delle rovine e dei corpi pietrificati dal Vesuvio nell’eruzione del 79 d.C. Il viaggio, però, si trasforma in un momento unico, in cui la forza della giovinezza incontra un mondo congelato nel tempo.

I desideri dei ragazzi cominciano ad affiorare con intensità inaspettata, conducendoli verso una frattura irreversibile. Ognuno di loro rappresenta un archetipo ben chiaro nella tipologia di genere: il borghese intellettuale, figlio di un giornalista di Le Monde, bello e bastardo, che si scopa le compagne in treno, senza soluzione di continuità, ma che forse non ha ben chiaro il suo gender anche per l’amicizia con Toni, l’italo-francese, che vanta origini aristocratiche per le “frequentazioni” della nonna con un ricco signore napoletano, con un’omosessualità ancora non esplosa sia pur ben conscia; e poi giovani afro afflitti da vittimismo razzista, la brutta anatroccola che nessuno si fila, il ricco snob e la prof di latino single ma non immune da passioni border line. Insomma, un campionario di varia umanità, un libro Cuore senza Franti, ma con non meno tragedie. I registi francesi si confermano abili metteur en scène di adolescenti e giovani attori e Atlan ha infatti vinto anche la Semaine de la Critique a Cannes. Ma al di là della bravura del gruppo e dei singoli, è bella questa ricerca comune di un senso dell’esistenza, sulle soglie dell’età adulta, con un’incombente sensazione di disastro e di lutto, che la visita a Pompei ben esemplifica.

Percezione che emerge sin dal titolo, che rimanda oltre che a una citazione classica, anche alla lettura psicanalitica di Sigmund Freud, che analizzando l’omonimo romanzo breve di Wilhelm Jensen (cui la stessa regista si ispira), mostrò come la Gradiva fosse il simbolo del desiderio rimosso e dell'inconscio che riaffiora attraverso i sogni e il delirio del protagonista. E qui è tutto un rimando di pulsioni e di desideri rimossi, di sguardi che evocano e di altri che rimpiangono, segni di delusioni che nemmeno il sesso placa, anzi accentua nella sua negazione. Così solo la tragedia può far emergere la vera natura di ognuno, in un film carico di pathos romantico al limite del sentimentalismo (difficile girare a Napoli senza ricadere nel luogo comune della canzone partenopea, il Mediterraneo, il Vesuvio e un po’ di camorra). Atlan riesce a mostrare invece una freschezza narrativa non inficiata dalle quasi due ore e mezzo di narrazione. Sarà per le frequentazioni leopardiane, tra via Toledo e il Vesuvio, ma il romanticismo della regista francese si ammanta di crepuscolarismo, di un pessimismo realistico che accompagnerà i giovani quasi adulti al risveglio dall’età acerba, nello sforzo titanico di una tensione altissima, condannata comunque all’imperfezione e al dolore della vita.

(Michele Gottardi)

LOOK BACK

Regia: Hirokazu Koreeda

Cast: Natsuki Deguchi, Aju Makita, Furi Nanase, Rokka Okada, Masaki Suda, Kankuro Kudo, Kayo Noro

Durata: 100’

Voto: 6,5

A tutta prima, Look back, il film del regista giapponese Hirokazu Koreeda, rientra nel coming of age, in quel genere narrativo, cioè, che segue i protagonisti nella presa di coscienza di una maturità non sempre lineare. E in effetti il cinema del regista giapponese, che ha vinto a Venezia (un’Osella per la regia all’esordio con Maborosi, 1995) e a Cannes (Premio della Giuria con Father & Son, 2013, Palma d’Oro con Un affare di famiglia, 2018) tratta spesso i temi dell’infanzia e dell’adolescenza o della famiglia, ma anche quelli della memoria e del rimorso. Temi che qui, trasversalmente, ci sono tutti, a cominciare dallo stretto legame, inizialmente di dipendenza reciproca poi di simbiosi artistica e produttiva, che si crea tra le ragazze, oltre le diverse solitudini di ognuna di loro.

Altra caratteristica del film è di afferire alla cultura manga. Il termine manga non indica solo i fumetti giapponesi nel loro complesso, ma più ampiamente un genere che comprende diverse tipologie, dalle strisce d’azione al melò, dalla commedia al noir, sino al porno. Una tipologia che inizia a essere diffusa e apprezzata sin dai giornalini scolastici: proprio sui banchi di scuola comincia a storia di Look Back che Koreeda ha trasportato sullo schermo da un autentico manga di Tatsuki Fujimoto. In una cittadina di provincia vive Fujino, adolescente determinata e piena di talento, che sogna di diventare una mangaka e disegna storie per il giornale della scuola. Un giorno viene inviata dal maestro a casa di Kyomoto, schiva e solitaria, iscritta come non frequentante, che infatti vive quasi sempre chiusa nella sua stanza, dedicando ogni istante al disegno, in particolare dipingendo paesaggi straordinari.

Unite dalla stessa passione, le due ragazze inseguono per tredici anni il sogno di diventare autrici di manga. Il film segue la loro vita, attraverso quattro attrici diverse, dalle elementari all’Accademia, in un crescendo di emancipazione individuale e di sviluppo artistico che le fa esordire come autrici vere, pur ancora adolescenti. Parallelamente alla vicenda individuale, il film si esprime in linguaggi molteplici sino ad arrivare alle anime, ovvero alla trasposizione animata (appunto) dei manga disegnati dalle due ragazze nelle ultime sequenze. C’è una delicatezza di sguardi e una raffinatezza di tocco da parte del cineasta giapponese che ben si adatta al tema e al tratto artistico delle due ragazze, nel film interpretate da quattro adolescenti, per mostrare il passaggio del tempo. A differenza di altri suoi protagonisti, qui le due giovani promesse si realizzano, ma è il Fato, altro topos di Koreeda, a dire la sua. Ed ecco infine che l’elaborazione del lutto si trasforma nella forza di chi rimane, per continuare il lavoro anche per chi non c’è più tenendone alta la memoria. Opera particolare che avrà sicuramente un successo di nicchia, Look Back conferma la duttilità di un grande regista e l’importanza della cultura popolare in Giappone, dove i manga sono un pane quotidiano interclassista.

(Michele Gottardi)